Subastan la quinta pieza más grande de la Luna en la Tierra
Se trata del quinto objeto más grande de origen lunar que se encuentra en nuestro planeta; pesa 13,5 kilos, y un experto de Christie’s lo describió como “el ejemplar probablemente más grande que salga al mercado en todos los tiempos”.
Se cree que el NWA 12691 se habría desprendido de la superficie de la Luna tras una colisión con un asteroide, y su llegada a la Tierra se habría producido junto con meteoritos hace cientos o miles de años. La pieza fue descubierta en 2018 en el norte de África, y su precio se estima en alrededor de 2 millones de libras (2,5 millones de dólares).
Con la situación a la que nos enfrentamos en este momento, probablemente te quedes en casa incluso más que antes. Suponemos que es posible que haya realizado un recorrido por su hogar y haya visto algunas áreas que podrían mejorar. Si a su hombre de la cueva le falta algo que agregaría un nivel de lujo con el que otros solo pueden soñar, una solución costosa podría estar disponible. Para combinar con su mansión, autos exóticos, yates, ¿por qué no agregar la mesa de billar 11 Ravens x Rolls-Royce Stealth?
En lugar del nombre implica, esta obra maestra no vuela por debajo del radar. En cambio, llamará inmediatamente la atención de cualquier persona en el momento en que esté a la vista. El 11 Ravens x Rolls-Royce Stealth es una colaboración exclusiva que está disponible para unos pocos de élite. El conjunto cuenta con iluminación LED e incluso viene con bolas de billar personalizadas con palos de señal.
Si bien la mayoría de los elementos de la mesa de billar están en un elegante acabado negro, otro color agrega un hermoso contraste. Usando láminas de oro macizo de 14 quilates y paneles negros de Lucite, la combinación es una vista fascinante para la vista. Hablando de versatilidad, el 11 Ravens x Rolls-Royce Stealth incluso funciona como una mesa de comedor. Con un precio increíble de $ 250,000, solo podemos soñar con tener uno.
Escultura busto con mascara veneciana y gran tocado floral hecho a mano en porcelana brillo de serie limitada.
Alta porcelana – LLADRÓ Escultura mujer Fantasía veneciana. Serie limitada
Alta porcelana – LLADRÓ Escultura mujer Fantasía veneciana. Serie limitada
DESCRIPCIÓN
Alta porcelana – LLADRÓ Escultura mujer Fantasía veneciana. Serie limitada
Seguro Incluido
Escultor
Tipo de Porcelana
Alto (cm)
Ancho (cm)
Largo (cm)
Acabado
Serie Limitada
Unidades S Limitada
Base Incluida
Descubra el característico envoltorio de Lladró, una caja con todos los detalles.
Hace 400 años, los primeros barcos de la Compañía Holandesa de las Indias Orientales llegaron a Holanda llenos de porcelana china azul y blanca. Esta porcelana se hizo muy popular entre las familias afluentes, como los miembros de la realeza europea. Cuando la importación de porcelana china disminuyó como resultado de guerras civiles en China, la cerámica holandesa aprovechó la oportunidad y desarrolló su propia versión de esta porcelana azul y blanca. Esto dio lugar al nacimiento de Delft Blue en los Países Bajos. Hoy en día, Delft Blue es uno de los verdaderos iconos holandeses.
De las aproximadamente 32 cerámicas que se fundaron en el siglo XVII, Royal Delft, establecida en 1653, es la única fábrica restante de Delftware que queda en Delft. ¡Es un patrimonio nacional y una visita obligada cuando visite Holanda! Aquí, el famoso Royal Delftware todavía está completamente pintado a mano según una tradición centenaria.
En 1919, la compañía recibió el prefi x “Royal” que confirma su relación especial con la familia real holandesa. Durante generaciones, la familia real holandesa ha sido una verdadera admiradora de Royal Delftware.
Hoy en día, Royal Delft no es solo una fábrica de Delft Blue y un instituto de conocimiento de cerámica, sino también un museo. Cuando visite Royal Delft, descubrirá la historia completa y el proceso de producción de Delft Blue y Royal Delft en una presentación audiovisual. Eres testigo de un pintor en el trabajo y te presentan a los otros dos íconos de Delft en las salas temáticas: el comedor de Johannes Vermeer, el famoso pintor del siglo XVII de Delft y las Cámaras reales que contienen la colección de Orange
Cerámica producida a lo largo de los siglos para la familia real holandesa. En el museo, puede admirar la colección de piezas antiguas y modernas de loza Delft Blue y en la fábrica puede presenciar el auténtico proceso de producción. En la sala de exposición se exhibe una colección completa de loza pintada a mano por Royal Delft y una colección de recuerdos.
Royal Delft ofrece talleres durante los cuales puedes probar pintar Delft Blue. Con vistas al hermoso patio, la Brasserie sirve deliciosos cafés, té, almuerzos y tés. Los tours están disponibles en varios idiomas.
Royal Delft se estableció en 1653 y desde entonces ha sido el productor más grande e importante de Delft Blue. Hoy es el único productor que queda en Delft desde el siglo XVII. Original Blue es el nombre de la loza con decoraciones pintadas a mano. Estas decoraciones se han usado desde el siglo XVII: Delft Blue y Polychrome. Delft Blue es, con mucho, el más famoso. Delft Blue es el nombre de la loza de barro con una decoración azul sobre un fondo blanco. Los diseños están inspirados en la porcelana china de las dinastías Ming y Kang Hsi. Los paisajes terrestres y marinos típicos holandeses comienzan a aparecer desde principios del siglo XVII
El policromo es una técnica de decoración multicolor que utiliza los colores amarillo, verde, azul y rojizo. Esta técnica de decoración se inspiró en los alfareros que vinieron del Mediterráneo.
área en ese período.
Mucho antes de que el busto de Goya pase de manos de los entregadores a los ganadores, son otras manos las que lo acarician, las de los fundidores que, a base de cera, bronce y fuego, dan forma a las 34 estatuillas. Deseadas por los nominados, una de ellas ya tiene destino junto a Pepa Flores, Goya de Honor. Las restantes encontrarán a su dueño en la gran noche del cine español.
La creación de un Premio Goya | Texto: María Gil | Fotos: ©Alberto Ortega
El alumbramiento de las estatuillas comienza dos meses antes de la ceremonia, pero el origen hay que buscarlo un siglo atrás: en el busto del escultor valenciano Mariano Benlliure, creado en 1902 y que hoy descansa en los archivos del Museo del Prado. Esta obra, en la que, según la web de la pinacoteca, el artista “concentró en su expresión toda la fuerza mental y la genialidad creadora de Goya”, es el punto de partida para el molde original.
La creación de un Premio Goya
Cuatro días tardaron en escanear y digitalizar en 3D un vaciado en escayola original del busto, procedente de su taller y cedido de forma altruista por la Fundación Benlliure, para obtener el modelo, pero las cifras del original de Benlliure –32 Kg de peso, 57 cm de alto y 40 cm de alto– son inviables para unos galardones, por lo que luego se elaboró un modelo que reducía el tamaño para adaptarlo a las dimensiones del Premio Goya, que debe ser mucho más manejable. “Una tecnología similar a la que estamos acostumbrados de las impresoras 3D y que realizó la empresa Troppovero”, explica Marisa Codina, propietaria de Codina Escultura junto a su hermano Miguel, representantes de la cuarta generación de esta familia de fundidores, que lleva más de 130 años dedicada a esta labor y que es la encargada en esta 34 edición de los premios de elaborar las estatuillas.
La creación de un Premio Goya
A partir del modelo en 3D reducido, se obtiene un molde ‘madre’ de silicona, del que saldrán todas las copias, y empieza el trabajo en la Fundición Codina. De las tecnologías más contemporáneas y punteras en 3D se pasa a la antigüedad, con un procedimiento que no puede ser más tradicional y artesanal: el de la cera perdida.
El molde de silicona se ‘pinta’ con cera nueva muy caliente, para que adquiera todos los detalles de la escultura original. “Aunque la figura sea igual, siempre tiene algo distinto”, asegura Laura, la encargada en la Fundición de esta tarea.
La creación de un Premio Goya
Cuando la cera se enfría, se extrae el molde y se coloca en una estructura de bebederos para la salida de gases. “La gente se extraña cuando ve la figura de cera con tantos alfileres clavados, llama mucho la atención, pero es simplemente para que esté bien sujeto a la estructura para la fundición”, detalla la responsable de moldes y cera.
El Goya se cubre de una pasta refractaria y pasa al horno, donde permanecerá durante unos días hasta que la cera se funda y quede el hueco para el bronce. “Ahora subimos la temperatura progresivamente con un programador, pero antes todavía iba con leña”, rememora Marisa Codina.
Los Premios Goya se fabrican en bronce, material que aguarda a 1240 grados centígrados en un crisol de granito y que los trabajadores de la Fundición vierten cuidadosamente en el hueco que ha dejado la cera, protegidos con guantes y máscaras. Tras la fundición, toca esperar a que el bronce se enfríe para poder extraer la figura del molde. Los encargados de esta tarea lo hacen martilleando, hasta que la pasta se desprende.
El siguiente paso es el soldado, que va precedido del ‘chorreado’ de arena de sílice. De nuevo con máscara y guantes protectores, en la Fundición van soldando aquellos agujeros que han dejado los bebederos y arreglando las imperfecciones de las estatuillas, que luego se pulirán todavía más en el cincelado.
La escultura adquiere así su forma definitiva, pero no su aspecto final. El Premio Goya ha pasado durante todo este proceso por numerosos colores: el blanco del molde en silicona, el rojo de la cera, el negro del bronce, el marrón dorado de la arena de sílice… hasta llegar al color verde propio de los galardones, que se logra mediante el patinado. Tras el cincelado, la estatuilla ya está preparada para la pátina.
La creación de un Premio Goya
“Ese tono verde, característico del bronce envejecido que vemos en tantas esculturas de monumentos, hay que lograrlo sin que pasen años, así que aceleramos el proceso de corrosión del material”, desgrana Miguel Codina, que pone el foco “en el modelado del cabello y el pañuelo de Goya” de la estatuilla como ejemplo de la excelencia del original de Benlliure.
Un soplete, un spray pulverizador, un pincel y ácidos con base de sulfuro y sal de amoníaco son las herramientas de las que se vale el director técnico y propietario de la Fundición para aplicar pacientemente ácidos y calor hasta que el bronce adquiera el verde envejecido y la escultura se complete.
No es un misterio por qué la Academia eligió a Goya como nombre para sus galardones –ser un pintor mundialmente conocido y representativo de la cultura española, un nombre corto y semejante a los de los Oscar o César y el hecho de que había tenido un concepto pictórico cercano al cine y que varias de sus obras tenían casi un tratamiento secuencial– y tampoco resulta extraño que el modo en que Benlliure representó al pintor aragonés sea el punto de partida para las estatuillas. La imagen creada por Benlliure es “la más arraigada en la iconografía popular”, asegura el Museo del Prado en su web. Para la saga Codina es un paso más en su vinculación con el escultor, que realizó toda su obra en la fundición. “Siempre ha habido una relación muy estrecha, mi bisabuelo trabajó con él”, confirma Marisa Codina, “y desde El Prado recurren habitualmente a nosotros para restauraciones”.
Tras dos meses de trabajo artesanal, el resultado son 34 estatuillas colocadas en peanas grabadas con el logo de la Academia, y que corresponden a cada una de las 28 categorías más el Goya de Honor. Con Málaga como destino, el viaje continúa en un furgón blindado que los llevará hasta el Palacio de Deportes José María Martín Carpena, para que el 25 de enero, encima de un escenario, pasen a las manos de aquellos que han marcado nuestro cine en 2019.
Dos de las Bellas Artes se dan cita en un Premio Goya. Obras escultóricas en sí mismas, en la gran noche del cine español reconocen al séptimo arte: la cinematografía.
La primera estatuilla que se entregó fue obra del escultor malagueño Miguel Ortiz Berrocal. Fabricada en bronce, era una escultura desmontable que combinaba el busto del pintor Francisco de Goya con una cámara cinematográfica, y venía acompañada de una insignia de los Goya, que podía quitarse y usarse como pin. Este primer busto pesaba casi 15 kilos y ponía en apuros a los premiados al recogerla. De esa cifra tan poco manejable, pasó en 1990 a los 3 kilos del trofeo realizado por José Luis Fernández, encargado de elaborar la estatuilla desde la cuarta hasta la 33 edición. Actualmente la estatuilla de los Premios Goya es una reproducción a partir de un vaciado en escayola original del busto realizado por Mariano Benlliure en 1902, conservado por la familia y que la Fundación Benlliure cede de forma altruista a la Academia. Unos 3 kilos de peso; 25,50 cm de altura de estatuilla y 5 cm la base son las medidas de los Premios Goya en su 34 edición.
TUTANKHAMÓN: LA TUMBA Y SUS TESOROS ofrece una oportunidad única para adentrarse en el mundo de la arqueología del antiguo Egipto. Comienza un fantástico viaje en el tiempo y descubre las cámaras funerarias y los tesoros del Faraón tal y como fueron descubiertos por Howard Carter en 1922.
La biografía de Howard Carter es única entre los arqueólogos. A los 17 años era un artista de gran talento, gracias a lo cual fue inicialmente contratado por el Egypt Exploration Fund para copiar las pinturas de vivos colores que adornaban las paredes de las tumbas del Egipto Medio. No mucho tiempo después, comenzó sus propias excavaciones, bajo la dirección de su maestro, Flinders Petrie.
En 1900, el dotado joven arqueólogo ascendió al cargo de Inspector Jefe del Servicio de Antigüedades de Egipto. Sin embargo, pocos años después su brillante carrera en el Servicio llegaría a un abrupto final, por un altercado con unos turistas indisciplinados. En 1909, Howard Carter comenzó su colaboración con Lord Carnarvon. Con el paso del tiempo, Carter logró convencer a Carnarvon para dar comienzo a un proyecto muy especial:
La búsqueda de la tumba del olvidado faraón Tutankhamón, en el Valle de los Reyes
Lord Carnarvon financió el proyecto durante cinco años, a partir de 1917, pero el esfuerzo resultó infructuoso. En noviembre de 1922, durante la última temporada de excavaciones, Carter acabó teniendo suerte, y presentó su sensacional descubrimiento ante un mundo atónito. Esto desató un frenético interés en la prensa, como nunca hubo otro igual, y un verdadero furor por Tutankhamón, que dejó su huella en la era de los Locos Años Veinte.
Tutankhamón ascendió al trono en 1332 AC, a los 9 años de edad, y fue uno de los últimos reyes de la XVIII Dinastía. Su padre fue el faraón Hereje, Akhenatón. El nombre de su madre sigue siendo desconocido hoy en día. Según los más recientes estudios, el joven faraón sufría de graves dolencias. El logro más significativo de su reino fue el abandono de las radicales reformas religiosas introducidas por su padre, que habían desestabilizado el país.
Su muerte sigue siendo un misterio a día de hoy.
Tutankhamón falleció tras haber ocupado el trono durante un periodo de nueve años, probablemente a causa de una infección derivada de una herida abierta en la rodilla.
El fotógrafo Harry Burton documentó todos los aspectos del trabajo realizado en la tumba de Tutankhamón, desde la elaboración del inventario inicial al traslado de los últimos descubrimientos al museo. Únicamente en las fotografías de Burton alcanzó el Faraón la verdadera inmortalidad.
Los ojos y la memoria de Carter
El Museo Metropolitano envió a Burton como fotógrafo de las excavaciones – era “los ojos y la memoria de Carter”. Con su enorme cámara y sus descomunales placas de negativos, recorría incansablemente la distancia que separaba el yacimiento, de su laboratorio (que había montado en la tumba de Seti I) y del improvisado cuarto oscuro, en la tumba vecina (Nº 55).
Todas las etapas del trabajo de excavación quedaron documentadas en fotografías, hasta el más mínimo detalle.
El resultado de ese laborioso esfuerzo son 2.800 negativos de vidrio de gran formato, que documentan con la mayor precisión todos los descubrimientos, su ubicación en la tumba y cada uno de los pasos que dieron los excavadores en su trabajo. Carter le animó paciente e incondicionalmente a llevar a cabo su trabajo, mostrando una predilección que no hizo extensiva a ningún otro miembro de su equipo, y gracias a sus fotografías, Burton fue el primer y único fotógrafo arqueológico que llegó a ser famoso en todo el mundo.
Eva fue feliz en ese maravilloso jardín, era el Paraíso. Un lugar mágico poblado de vegetación, animales domésticos, criaturas voladoras de los cielos y bestias salvajes. Un ideal de pureza, libertad y plenitud, del que, según el relato mítico, Eva tuvo que partir y al que, desde entonces, todos anhelamos volver.
Y mientras eso sucede, lo intuimos reflejado en una sonrisa, un abrazo, o simbolizado en una bella mujer que pasea entre las plantas del Edén, para que nosotros podamos soñar con ese rincón perdido y a veces encontrado.Esta delicada pieza de porcelana brillo está basada en uno de los personajes que aparecen en Jarrón Paraíso, inspirado a su vez en la obra del pintor francés Henri Rousseau. Una preciosa alegoría de la vida en la naturaleza.
Esta serie limitada está realizada en porcelana brillo y decorada con una amplia gama de tonos verdes y azules que recrea el entorno de una paradisíaca selva tropical. Una pieza de cualidades escultóricas y gran poder decorativo, hecha a mano en España.
Alta Porcelana
Como si de un lienzo se tratara, los artistas del taller de Alta Porcelana de Lladró han desplegado en la superficie de este jarrón -el más grande creado por la marca hasta la fecha-, ese mágico paraíso del que surgió Eva.
Alta Porcelana
Una serie limitada de tan sólo 150 unidades en la que se han empleado los verdes más exóticos y diferentes niveles de profundidad para recrear la exuberancia y belleza de ese soñado jardín.
Madrid se convierte en la capital mundial del arte contemporáneo durante la celebración de Apertura Madrid Gallery Weekend, una cita cultural en la que galerías de arte y museos madrileños inauguran simultáneamente y con amplios horarios sus exposiciones. Todas las actividades son gratuitas y abiertas a todos los públicos tras inscripción por internet.
Apertura-Madrid-Gallery-Weekend
Durante cuatro días, Apertura Madrid Gallery Weekend 2019 celebrará su décima edición reafirmándose como el gran evento del mundo del arte tras el verano. Su principal objetivo es acercar al gran público a la creación contemporánea y difundir la escena artística madrileña a nivel internacional.
MADRID GALLERY WEEKEND 2019
En esta nueva edición participarán 49 galerías, que componen la asociación de galerías Arte_Madrid que toman parte de manera habitual en las ferias internacionales más prestigiosas como Art Basel, Frieze, The Armory Show, FIAC, Artissima, Art Basel Miami. Más de 70 nuevos artistas y ya consagrados participarán en las exposiciones que abarcan desde las vanguardias hasta el arte contemporáneo, así como múltiples disciplinas: pintura, fotografía, escultura, instalaciones, etc.
Apertura-Madrid-Gallery-Weekend
El evento atrae a coleccionistas, expertos y comisarios de todo el mundo que encuentran una selección de gran calidad de obras de artistas españoles y también internacionales que recorren disciplinas como la pintura, escultura o fotografía.
Apertura Madrid se consolida como uno de los Gallery Weekend más importantes del mundo, solo por detrás de Berlín en número de visitantes.
Las grandes instituciones culturales (Museo Reina Sofía, Museo Thyssen o el Centro del Dos de Mayo, entre otros), junto a la feria ARCOMadrid, programan además actividades paralelas, como visitas guiadas o brunches gratuitos uno de los días a través de las cuales acercar el arte actual al público. Destacan los ARCO Gallerywalk, organizados en colaboración con la feria madrileña, que consisten en visitas guiadas por expertos, que permiten a los visitantes recorrer las galerías y descubrir a sus artistas, y el Programa de Actos, donde cada galería propone un evento especial como una performance, charla, lanzamiento de libro… con el objetivo de acercar el arte a la calle.
MADRID GALLERY WEEKEND 2019
El evento MADRID GALLERY WEEKEND, organizado anualmente por ARTE_MADRID, es una celebración para el arte y la cultura. Cada año, en septiembre, las galerías que forman parte de la asociación celebran el inicio de la temporada artística con la inauguración conjunta de sus exposiciones y con un amplio programa de actividades, visitas a museos y colecciones, encuentros y fiestas en la línea de los eventos que se celebran en otros grandes núcleos del panorama internacional.
Madrid es, también, la capital del arte contemporáneo en España. Casi el 50% de las galerías españolas que pertenecen al Consorcio de Galerías de Arte Contemporáneo –la asociación nacional gremial– tienen su sede en la ciudad. 49 locales abiertos al arte más actual.
Apertura Madrid Gallery Weekend
En cada edición, APERTURA MADRID GALLERY WEEKEND se convierte en una cita que atrae a coleccionistas, expertos y comisarios de todo el mundo. Para este evento, las galerías de arte que componen ARTE_MADRID escogen lo mejor de su plantel de artistas tanto españoles como internacionales, consagrados y emergentes.
Apertura 2019 se desarrollará entre el 12 y el 15 de septiembre 2019. Durante esos días, el público podrá acercarse aún más al arte contemporáneo gracias a horarios especiales en las salas participantes, visitas a colecciones privadas, grandes instituciones, fiestas o acciones especiales de las galerías de arte en sus espacios.
En suma, APERTURA MADRID GALLERY WEEKEND convierte cada año a Madrid en el epicentro del arte contemporáneo. Una visita imprescindible en el calendario cultural tanto nacional como internacional.
REGISTRATE
Etienne Meneau es un artista francés que vive en Burdeos. Su trabajo se basa gira entorno a la geometría y la natura y a través del vidrio representa cosas del día a día. Su última serie bautizada como “Strange Carafes” se basa en una interpretación radical de una jarra de vino tradicional.La inspiración la sacó de sus propias venas del cuerpo. Y de ahí las representó juntamente con el corazón y sistemas radiculares. El vino simboliza la sangre que corre por estos órganos.
Cada una de estas representaciones están hechas de Pyrex sopladas manualmente a partir de boro silicato. La mayoría de los objetos de esta colección son básicamente funcionales pero también pueden servir como objetos de decoración para el hogar pues estas jarras mantienen en perfecto estado el vino y esto supone que se pueda guardar durante muchos días dentro del recipiente sin que se estropee. Esto puede ser gracias a la profundidad y el diámetro de cada pieza es tal que contiene perfectamente una sola botella de vino.
Su representación más popular y la que más ha trascendido es la “Carafe nº 8”. Es una edición limitada de su colección. La altura de esta jarra es de 59 centímetros y su capacidad total es de 75 cl.
“I am painter, sculptor , photographer…I live in Bordeaux…
My work turns around geometry and nature, I love to put some flesh on geometrical shapes… that’s why vegetal life interests me… It is a pure living geometry and algebra (for example the Carafe N°6 is inspired by a branch of fig tree)…
Some one says about Decanter N°4 : ” form leaves the function in the dust”…it’s a very good definition of my “design” work : all the usefull objects are already done…who needs a new chair ? nobody!…who needs to dream to a new chair? everybody !” – Etienne Meneaou
